4. A demokráciát fenyegető kockázatok és veszélyek
A különböző közösségek közötti konfliktusok és nézeteltérések polarizációja, a jövőtől való félelem, valamint az egyéneket érintő, túlzott mértékű felügyelet és ellenőrzés témája és az ezekkel kapcsolatos aggályok sok műben megjelennek. A témaválasztás a válság és a nyugtalanság állapotát tükrözi, és arra ösztönöz bennünket, hogy tudatos álláspontot alakítsunk ki az általuk értelmezett valósággal szemben.
Willie Doherty fotója városi látképet ábrázol, egy fehér ködbe burkolózó, üres utcát szülővárosában, Derryben. Emberek itt nincsenek, vagy bezárkóztak a házakba. A kihagyás (ellipszis) eszköze révén ragadja meg a láthatatlan erőszakkal és feszültséggel teljes helyzetet, amelyet az Enduring kifejezéssel jelöl meg, utalva az ellenállásra, az eltökéltségre és az önazonosságra.
TWO/FOUR/TWO (Art Group Created In 1996) Costas Mantzalos (*1963) & Constantinos Kounnis (*1973): Believe In Me, 2005 – On display in Parlamentarium, Brussels
Doherty tehát a szöveg és a kép közötti kapcsolatot használja fel, a 20. századi dadaistákhoz, szürrealistákhoz és konceptuális művészekhez hasonlóan. Erre a szemantikai eszközre támaszkodva idézi fel az Észak-Írországban megtapasztalt történelmi, politikai és társadalmi konfliktust, és utal a két tábor által a derryi házak falára festett üzenetekre és grafittikre.
Ezek lakonikus és első pillantásra talányos üzenetek, mint a diptichonon szereplő: Many have eyes but cannot see (1992). (sokaknak van szemük, mégsem látnak). A jobb és bal oldali képen a „Blind spot” (holttér) és a „Vanishing point” (enyészpont) feliratok a térnek azokra a beláthatatlan részeire utalhatnak, amelyek a megfigyelőkamerák és őrjáratok látóterén kívül maradnak.
A szem – amely látja és akaratlanul ellenőrzi a területet és a társadalmi élet bizonyos részeit – zavarba ejtő ikonográfiai elemként jelenik meg a TwoFourTwo elnevezésű művészpáros Believe in me (2005) című, 2005-ös művén, ahol hátulról megvilágított fotókon egy emberi szemhéj látható börtönrácshoz hasonló fémszerkezet mögött.
Doherty konkrét történelmi-társadalmi kontextusra támaszkodva hozott létre egy képet Enduring ), amelynek jelentése – ha eltekintünk a földrajzi és politikai háttértől – általánosan kiterjeszthető bármely más helyszínre és helyzetre, amelyben a civil társadalom támogató és csendes ellenállást tanúsít valamilyen fenyegetéssel szemben. Emellett Doherty műve arra is törekszik, hogy életben tartsa a konfliktust kiváltó események emlékét. E művek arra figyelmeztetnek, hogy javítani kell a társadalmak közéleti és kreatív képességeit a problémák békés megoldása, az együttműködés előmozdítása és az olyan szélsőséges, erőszakos helyzetek elkerülése érdekében, mint amelyet James Hanley The Convert (1992) című műve jelenít meg.
Amikor az állam félelmes apparátussá válik, amely nem az állampolgárokat szolgálja, hanem felhasználja őket, és betör a magánéletükbe, akkor a mitológiai Leviatán formáját ölti magára. Ezt az alakot látjuk kiemelkedni az óceánból Andrey Daniel apokaliptikus triptichonjának középső tábláján: Trilogy: The Elusive Meaning of Cause and Effect: To Bruegel, The Mating Season of the Leviathans, The Death of Worker X (2009). Feltételezhető, hogy Daniel Thomas Hobbes Leviatánját (1651) idézi meg a tizenhatodik századi festő, idősebb Pieter Brueghel előtt is tisztelegve. Konkrétan Brueghel egyik mesterművére, az antwerpeni Museum Mayer van den Bergh gyűjteményében lévő Dulle Griet (1564 k.) című festményre utal, amelyen a főszereplő, Dulle Griet, a pokol kapujára tekint, amely egy leviatán kitátott szájaként jelenik meg.
Ahogyan Brueghel festményei a 16. században a népi kultúra vizuális dokumentumainak is számítottak, úgy Daniel triptichonjának szereplői is 21. századi hétköznapi emberek: a bal oldali táblán turisták, a jobb oldalin építőmunkások. Mindannyian megszenvedik a hirtelen beálló kozmikus felfordulást, amely komolyan megzavarja az életüket. Bulgáriában Danielt „művészként, közösségi vezetőként, kollégaként, mentorként méltatják, akinek a XX. század végén és a XXI. század fordulóján vezető szerepe volt a bolgár festészet felemelkedésében”. Amint a festő műveinek egyik legjobb ismerője rámutatott: Daniel hitte és vallotta, hogy a művészeknek szintetizálniuk kell a jelentést: „És ha nem tanuljuk meg, hogyan lehet a jelentés megtalálni, magunk és mások, nagyon sok ember számára szintetizálni, akkor a létezés inkább csak valamiféle vegetáció marad”.
Flo Kasearu a demokráciát és a szabadságot is fenyegető egyéb veszélyeket és katasztrófákat – terrorizmust, háborút, vandalizmust stb. – humorosan ábrázolja a Fears of a Museum Director (2014) című rajzsorozatában. A látszólag komikus jelenetek mélyebb jelentést nyernek: a félelmet és a bizonytalan jövőt az újságokban megjelenő képregényekre jellemző módon ábrázolják, olyan szélsőséges és katasztrofikus helyzetek sorozatában, amelyekbe bármelyik köz- vagy magánintézmény kerülhet.
A kritikus gondolkodás hiányának és az elidegenedésnek a veszélyét pontosan és allegorikusan ábrázolja Yannis Gaitis: The Parade (1983) című, fatáblára készült olajfestménye.Itt a túlnépesedés, az indoktrináció és a homogenizálás elvét szemlélteti, bemutatva, ahogyan az emberek közös vonásai átalakulnak azonos emberi lényekből álló, lineáris és elidegenedett, egymást átfedő sorok alkotta tömeggé. Gaitis humort is visz az egyének merev tömegének ábrázolásába, lehetővé téve számunkra, hogy könnyebben feldolgozzuk a nyomasztóan uniformizált társadalmi rendszer képét. Bizonytalanság érzetét kelti Dan Wolgers End of the public road (1995) című műve, amelyen a néző magára ismerhet az út szélén álló kék fém jelzőtáblán tükröződő jármű vezetőjében. Ha a közutat a civilizáció és a jogállamiság metaforikus képének tekintjük, akkor ezt a fotót kétértelmű figyelmeztetésként foghatjuk fel, bepillantást nyerve a mögé a terület mögé, amelyen még a jogbiztonság elve érvényesül.